Música sinfónica del s.xx
Historia y Sociedad
Durante la primera mitad del siglo XX hubo dos guerras mundiales (1914-1918 y 1939 – 1945) con consecuencias devastadoras para la población, a la vez que significan la división del mundo en dos bloques: los países de economía de mercado y los de economía socialista
- La pérdida de la influencia colonial, especialmente por parte de Francia e Inglaterra.
- La industrialización, la tecnología y la globalización modifican de manera rápida y profunda las formas de vida de la gente. Nacimiento del cine sonoro, la llegada del hombre a la luna, la informática e Internet.
- Aumento demográfico derivado de la disminución de la mortalidad, la higiene y la medicina.
- Reducción de las distancias a consecuencia de la rapidez de las comunicaciones.
- La creciente diferencia entre los países desarrollados (sociedad del bienestar) y subdesarrollados.
- Desarrollo de la técnica científica en el campo militar que dará lugar a la bomba atómica, derivada de la energía nuclear e Internet.
- Antes del 1914 la humanidad utilizaba o transformaba los productos de la naturaleza. A partir de semillas se obtienen productos sintéticos a partir de los elementos químicos básicos.
España
- 1874 Alfonso XII, rey de España. El 1876 España quedaba constituida como una monarquía constitucional parlamentaria. Lo sucedería, varios años después de su muerte, su hijo Alfonso XIII.
- 1923 – 1930. Dictadura militar del general Primo de Ribera, apoyado por la monarquía.
- 1931. Proclamación de la segunda República Española.
- 1936 – 1975. Dictadura militar de Francisco Franco
- 1976 a la actualidad, democracia
Esta revolución prodigiosa en el campo de la técnica ha producido una grave crisis espiritual a muchas personas del mundo occidental porque las ha aislado de la naturaleza y los ha hecho ser más materialistas.
El ARTE deL SIGLO XX
El arte incorpora las nuevas tecnologías e incorpora nuevos materiales. La experimentación se manifiesta en todas las artes. El arte refleja los vertiginosos cambios de la sociedad y persigue una manera más auténtica de recrear la sociedad, no siempre agradable. El Modernismo, Impresionismo y Primeras vanguardias.
Características Musicales
La exploración y experimentación del s.XX ha conducido a una diversidad fascinante de nuevos estilos, nuevas tendencias, nuevas técnicas tanto a nivel musical como el resto de las artes.
A nivel musical se podría decir que la velocidad con que esta ha ido cambiando ha sido mucho más grande que durante cualquier periodo anterior. Muchas veces una nueva tendencia no llegaba ni a establecerse, que ya salía otra acaparando la atención. Además, la influencia musical entre diferentes culturas de occidente y oriente ha sido significativa. No hay una música del siglo XX, sino muchas.
Algunos de los rasgos más característicos son:
- Tratamiento rupturista de los elementos de la música
- Ritmo irregular
- Melodías no cantables, atomizadas o inexistentes
- Ampliación de las posibilidades dinámicas
- Disolución de la tonalidad
- Armonías disonantes
- Mezclas e influencias mutuas de estilos
- Recursos tímbricos nuevos
- Combinaciones instrumentales atípicas o inusuales
- Exploración de posibilidades sonoras inéditas de los instrumentos «clásicos»
- Uso de instrumentos electrónicos
- Más protagonismo de la percusión
- Incorporación del ruido como material sonoro. Collage sonoro.
El IMPRESIONISMO
- Impresionismo pictórico
El 15 de abril al quince de mayo de 1874 un grupo de jóvenes pintores independientes expuso al número 35 del Boulevard del Capucines, al margen de los salones oficiales. La exposición fue un escándalo. Para aquella ocasión un periodista escribió un artículo sarcástico y despectivo donde salía la palabra «impresionista», tomada prestado de un cuadro de Monet titulado «Impression, soleil lévant» Los pintores aprovecharon la ocasión del movimiento para hacerse suya la expresión y así dar nombre en una nueva escuela.
Los más importantes del movimiento habían nacido entre 1830 y 1841. Por orden cronológico son Pissaro, Manet, Degas, Cézanne, Monet, Renoir y una mujer, Berthe Morisot.
Todos venían de diferentes procedencias y tenían influencias diversas, pero los descubrimientos de algunos se extendieron para configurar un estilo común, el que después tenía que ser la técnica impresionista: la superposición de tonos y un juego de colores luminosos.
Por primera vez los pintores salieron a la calle a pintar con el caballete y en consecuencia cambiaron los temas. No era importando la corporeidad de los elementos de la natura sino que se tenían que buscar soluciones para expresar la luz y el aire. Las superficies de colores desaparecían para dar lugar a muchas pequeñas manchas de color que el pintor ponía a la tela y que en el ojo del espectador se juntaban con la ayuda de la distancia, y así, conseguían un efecto mucho más luminoso.
El IMPRESIONISMo MUSICAL
El Impresionismo musical es uno de los movimientos artísticos que más pueden relacionarse, tanto con el simbolismo literario como con el Impresionismo pictórico, que es su paralelo.
El Impresionismo se inicia y desarrolla principalmente en Francia a finales del siglo XIX. Se caracteriza por la preocupación de los impresionistas por el tratamiento y plasmación de la luz. En consonancia con las corrientes filosóficas positivistas de la época y con la evolución en el campo de las ciencias, los artistas impresionistas buscan la representación verdadera del momento de observación.
Musicalmente, intentan huir del romanticismo, sugerir cromatismos, juegos de luz e imágenes.
- A menudo se música programática (descriptiva) con uso de acuerdos (especialmente cromáticos) que no cumplan una función armónica, sino más bien en función de los efectos de color que producen.
- Acordes disonantes que resuelven en otros acordes disonantes en movimiento paralelo que den un efecto borroso a la armonía.
- Uso de escalas exóticas, admitiendo influencias otras culturas (pentatònica) , rebuscando escalas antiguas (modales) y creando de nuevas (escala de tonos).
- Exploración de combinaciones inusuales de timbres, ritmos fluidos, texturas tenues, efectos sutiles de luz y sombra.
- El compositor estructura su música cuidadosamente, evita la identificación clara de sus componentes y de su forma. El discurso musical no declara, sino que más bien sugiere.
COMPOSITORES IMPRESIONISTAS
Gabriel Fauré
(1845-1924) Francia
Fue un compositor, pedagogo, organista y pianista francés. Fauré es considerado el compositor francés más destacado de su generación.
Erik Satie
(1866- 1918) Francia
Compositor y pianista francés. Precursor del minimalismo y el impresionismo, está considerado una figura influyente en la historia de la música.
Claudio Debussy
(1862-1918) Francia
Fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX y, junto con Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Fue llamado caballero de la Legión de Honor en 1903.
Maurice Ravel
(1875-1937) Francia
Compositor francés del siglo XX. Su obra, a menudo vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, sacado del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y para ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo.
EXPRESIONISMO
Esta tendencia artística surge a finales de los s.XIX y se focalizada predominantemente en Alemania, extendiéndose simultáneamente por la mayor parte de los países europeos.
Nace como un movimiento de reacción a de impresionismo, expresándose en la distorsión de las formas y del irracionalismo del contenido. No intenta reflejar objetivamente la realidad sino que trata de imponer la sensibilidad del artista a la representación del mundo exterior.
En música, la palabra expresionismo sirve para describir un estilo en el que los compositores abocaron la más intensa expresividad emocional en la música. Los compositores más importantes que utilizaron este expresionismo fueron Schoenberg (también pintor) y sus discípulos: Berg y Webern.
En un principio la música expresionista se basó en armonías que se fueron haciendo cada vez más cromáticas, hasta que, eventualmente, se llegaron a utilizar las doce notas de la escala cromática de manera libre. Esto resultó ser el que denominaríamos posteriormente el atonalismo, que vendría a ser la ausencia total de la tonalidad
La música expresionista presenta las siguientes características:
- Armonías extremadamente disonantes.
- Líneas melódicas disjuntas y frenéticas, incluyendo grandes saltos.
- Contrastes violentos y expresivos.
- Instrumentos ejecutados con gran fuerza y en el extremo de sus registros.
- Un elevado grado de tensión, bien representado de manera vivida y dramática o bien de manera subyacente y contenida.
EL DODECAFONISMO
El atonalismo es un tipo de lenguaje musical totalmente liberado de la tonalidad clásica. Bien pronto, Schönberg y los otros compositores atonales se dan cuenta que esta libertad total acontece un problema, puesto que es muy difícil componer música sin un punto de partida concreto (un grupo de notas, una escala, un acuerdo…). Para crear este punto de partida, Arnold Schönberg idea, en 1923, el método dodecafónico, basado en una serie dodecafónica, elaborada con los doce sonidos de la escala cromática puesto en un orden concreto.
Para componer las melodías y acuerdos de la pieza, el compositor usa los sonidos de la serie en el mismo orden de esta. Esta serie también se puede transformar por varios procedimientos como la retrogradación (notas leídas de izquierda a derecha), y la inversión (transforma los intervalos ascendente en descendentes y al revés). La técnica dodecafónica niega la existencia de jerarquía entre las notas, por eso utiliza estos recursos evitando la repetición de un sonido que dé sensación dominante por encima del resto.
Los seguidores más importantes de Schönberg y el método dodecafónico fueron sus alumnos Alban Berg y Anton Webern. Los tres forman el que se conoce como Escuela de Viena (en esta época Viena era el centro cultural más importante de Europa) y tienen en común el hecho de haber pasado del lenguaje tonal post-romántico al atonal, y después al dodecafónico. Su aportación al lenguaje musical ha tenido una gran influencia en los compositores del siglo XX.
Compositores expresionistas
Arnold Schönberg
(1874-1951) Austria
Compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1934, adoptó el nombre de Arnold Schoenberg.
Gran exponente de la música atonal.
Anton Webern
1883-1945) Austria
Alban Maria Johannes Berg fue alumno de Arnold Schoenberg y perteneció a la Segunda Escuela de Viena.
Igor Stravinski
(1882-1971) Rusia
Compositor y director de orquesta ruso y uno de los músicos más importantes y trascendentales del siglo XX. Su larga vida le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Destacan sus obras para ballet “El pájaro de fuego” y “La consagración de la primavera”
MÚSICA UTILITARIA
La música utilitaria. En Alemania hubo una respuesta a esta música denominada “Gebrauchsmusik” “música utilitaria”, que trata precisamente de construir un lenguaje que entienda el pueblo y sea utilizable. Destaca Paul Hindemith “Matias el pintor”; Kurt Weill “La ópera de los tres peniques” en la que colabora con el dramaturgo Bertolt Brecht; Carl Orff con su música de carácter pedagógico y rica rítmicamente como se ve en “Carmina Burana”.
MÚSICA ALEATORIA
Una tendencia que pretendía superar la excesiva rigidez de la composición fue la música aleatoria. Se denominan así todas aquellas obras donde interviene el azar en algún momento de su creación o interpretación. El compositor es quien fija qué grado de aleatoriedad existe en una obra y qué elementos musicales serán afectados (alturas, duraciones, timbre, estructura…). Dentro de estos límites el intérprete tiene libertad de acción. Algunos autores que han seguido esta tendencia son Lutoslawski, Pendereki, John Cage y Pierre Boulez. Destaca el español Cristobal Halffter.
MÚSICA ELECTRÓNICA Y DIGITAL
La electrónica ha revolucionado el mundo de la música, con la aparición de nuevos sonidos, nuevas maneras de manipularlos y nuevos estilos musicales.
El Theremin fue uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Lo inventó, en 20, el físico y a la vez músico ruso Lev Termen. Consta de dos antenas a través de las cuales se emiten dos campos electromagnéticos. La aproximación de las manos produce variaciones de estos campos y, como resultado, unos sonidos audibles.
Durante la década del 1940, el magnetófono permitía grabar sonidos y reutilizarlos. Combinada con la creatividad musical, la cinta magnética dio lugar a un nuevo concepto: la música electrónica.
Algunos de sus pioneros fueron el norteamericano John Cage o el francés, que componía con todo tipo de sonidos: naturales, industriales. Max Mathews, un ingeniero norteamericano, creó el primer programa de ordenador para generar sonidos.
El Moog fue el primer sintetizador que se tocaba como un órgano, pero podía producir sonidos muy diversos. El Moog contribuyó a popularizar la música electrónica.
Durante los años 70, los sintetizadores y el Sampler pasaron de ser analógicos a digitales. La electrónica ensanchó la paleta de sonidos y la digitalización, la gamma de estilos y de instrumentos.
La digitalización comporta, en primer lugar, la fragmentación de la señal sonora. Después, cada fragmento se cuantifica y se codifica en forma de bits. Con el código digital, los sonidos se pueden manipular, mezclar y hacer que cualquier cosa pueda sonar. Esta capacidad ha dado lugar a nuevos géneros musicales, como por ejemplo la «música algorítmica» o la «música interactiva».